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AMERICAN THEATRE

Joy Martin for “American theatre” a publication of theatre communications group -www.americantheatre.org – (..) “I am curious to see the show and experience the results emerging from Kellam and his collaborators’ theatre laboratory. Have they have made gold out of their new methodological alchemy? I am also curious to find out more about the origins of Superdrama, how it arose from Kellam’s particular history as an American theatre artist travelling to Europe in search of new and ancient perspectives. (..) This powerful, engaging, and delightful show leaves many striking impressions upon me. The first is its larger-than-life mode of physical expression, beginning with the story’s opening motorcycle crash. The runs, tumbles, gestures and poses throughout are like big, bold, colorful brushstrokes, or like moving 3-D paintings telling the show’s story loudly through the body. Sara Bellodi is superb as Chirinos, her movement infused with a highly developed sexual responsiveness, making her character feel symbolic of a divine, feminine force of nature. The wordless movement tableaux depicting the romance between the lovers, Rabelin and Teresa, are sensitive and nuanced physical portrayals of new, unfolding love, beautifully performed by Sebastiano Sicurezza and Anna Rasero. (..) Kellam says he had been convinced of the power of body conditioning methodologies for years, and that he began to incorporate systems such as Laban, Viewpoints and Suzuki into his previous work as a director with the Actors’ Gang. He explained, “When the [conditioned actor enters the space, they command much more dynamic attention, because they are completely bodily focused —they’re whole. They’re like dancers who talk.” For SALT Kellam chose to collaborate with Madeleine Dahm to heighten this mode of physical expression in the show. Her influence on the creative product is profound; the range of expressive movement from all of the performers in SALT has a thoughtful precision and storytelling power which super-charges the other elements of theatre in the production. (..) The most disquieting and overtly political ingredient in SALT is the character of Mushi, played by Marco Giancomini, a downtrodden worker in the town’s salt mine, styled here as a young Hitler, with black, center-parted hair, a small moustache, Bavarian shorts suspenders, and jackboots. Theangry young populists in our world don’t look much different from Mushi, as the downward pressure and derision of the elite above him hardens his inner state of fear and confusion, distorting it into righteousness and hatred of the Other. Mushi, watching three foreign actors, says darkly from the show’s sidelines, “No foreigners, no theatre.” Another significant element of the show is its overall sense of pace and musicality. As the first few scenes play, I become somewhat astonished that this is a work-in-progress performance, because it seems so precise and well-developed. The rises and falls in the pitch of the actors’ voices, the patterns of their physical movement, the percussive sounds of their feet hitting the floor—all are playing out as if to a running musical time signature, and it is perfectly coordinated with the script, movement, and actual music, in a way that creates a larger theatrical harmony. At one point, I think: It is as if the performers are even breathing in unison. (..) I can see later, after Kellam explains the use of Noh and Viewpoints as vital components of Superdrama, that this deeply engaging theatre “music” has been created by the application of these methodologies in combination. It is clear that the show paid homage to the idea of the essential. There was no scrap—nothing unconnected to the whole vision, nothing unconsidered. The peak of the show’s Jo-ha-kyū arc comes when the puppet-show-within-the-show is “staged” at the wedding of Juanita, the daughter of the town’s most powerful woman, Juana. Just before this, at the height of the story’s tension, the company disappears to the sides, the lighting changes, andChanfalla, the leader of the foreign actors’ troupe, goes to the black hoop resting against the stage  wall, picks it up, inserts himself into it, and begins a spinning acrobatic interlude. A significant change from the established fictional reality and expressive movement established thus far in the show, the moment is surreal, exhilarating in its prowess, and extremely beautiful. This set piece also has deep symbolic resonance within the plot of the story: The wheel of fate is turning for this community, a portal is opening, a bad spell breaking. This acrobatic depiction of chaos, maelstrom, magic, and change is one of the most interesting and powerful moments of the show. Afterwards when the puppet show is “presented” to the townspeople, who of course see nothing, they devolve into states of madness and breakdown, and the dark truths at the heart of the society come spilling out. The tone of Botti’s script shifts back to the mystical at the end, suffusing the final scenes with another worldly luminosity that shines through the bittersweet ending. As I meditate on the various influences and styles reflected in Kellam’s new method, it occurs to me that the compulsion to classify these comes from a desire to understand the power of theatre. The question, “Why is this theatre powerful?” leads us to ask next, “How was it made?” But while the answer to my original question—whether Kellam and his Bämsemble collaborators have made gold out of their new methodological alchemy—is a resounding “yes,” my conviction resides in what I experienced of SALT‘s power, not my knowledge of its creation.” (..)

CORRIERE DELLO SPETTACOLO

Salt – The Marvellous Puppet Show è uno spettacolo simpatico,picaresco e stravagante. […] Dello spettacolo apprezziamo soprattutto il training fisico e ladirezione degli attori di Jon Kellam, un gruppo ben amalgamato e preparato sia fisicamenteche dal punto di vista recitativo; la musica, un misto di elettronica, rock, sonorità medioevali, cheaccompagna l’azione, i gesti, il racconto e che stands up da sola senza bisogno di esserenecessariamente d’accompagnamento, ma protagonista stessa. […] Infine i costumi e lescenografie realizzate con materiale riciclato e che si rifanno a film come “Fuga da New York”o “Mad Max” per quanto riguarda la compagnia dei teatranti girovaghi e per i benpensantiabitanti della Città Bianca parrucche da Restaurazione e trucco vampiresco/mortifero. […] Ilrisultato è un simpatico e divertente caos dove gli attori si muovono con scioltezza e bravuraper raccontarci una vicenda che sebbene scritta nel milleseicento ci appare molto attuale, perdire che non c’è nulla di nuovo sotto il sole, in questo caso, sotto il sale…

CORRIERE DELLA SERA

IL GIORNO

LA REPUBBLICA

LA STAMPA

PLATEALMENTE

PLATEALMENTE – “ ecco una chicca coraggiosa, autoproclamata dall’atto di autofondazione a luci ancora spente […] Un meraviglioso vaudeville, una baruffa chiozzotta, che, allaCommedia dell’Arte ruba la fisicità e la stereotipata bidimensionalità di personaggicristallizzati in prototipi, mentre già strizza l’occhio ad una denuncia sociale feroce, grottesca estraniante, degna di Brecht, facce di biacca comprese. […] Se ne stanno lì, seduti, in penombra,ai due lati del palco, quasi a mimetizzarsi in attesa della chiamata in scena. Sembra anche uncurioso gioco caleidoscopico in cui, a turno, ciascuno è spettatore o attore. Ed è così anche per ilpubblico, fra le cui poltrone in più d’un occasione irrompe, questo giocoso e totalizzante attodi teatro, denuncia e inclusione. […] Un’ora e quarantacinque minuti di teatro d’altissimogradiente di fruibilità, godibilità, qualità, competenza e completezza a tutto tondo –recitazione, acrobatica, teatro di strada, canto, Commedia dell’Arte, drammaturgia, mimo,coreografia, lumino tecnica scenografie, costumi, atmosfere –, sciorinato con una leggerezza,che – citando Calvino – non è superficialità , ma davvero riesce a planare sulle cose dall’alto,senza avere macigni sul cuore… né peli sulla lingua, come Teresa e i tre teatranti docent.Sono loro a prendersi la libertà civile di gettare in aria inoffensivi coriandoli di verità quasien passant […] o pungenti stoccate suicide, candide e necessarie come quel sale, che, lungidall’essere arguzia, brucia ma conserva. Così, questa Città del Sale, ma di cui nessuno conosce ilnome – chissà, forse perché dare un nome alle cose significa esplicitarle ed esprimerlee quindi legittimarle -, diventa potente metafora di una contemporaneità ipocrita eperbenista, dove l’altro, il diverso e per ciò stesso nemico non è detto che sia solo colui che vieneda fuori.”

TUTTO MILANO

VIVIMILANO

SIK SIK

“SALT”: il teatro policentrico.

di Angelica Cantù Rajnoldi

Dal 20 al 21 giugno 2019 la compagnia teatrale Bämsemble Company porta in scena al Teatro Franco Parenti “Salt”, opera ispirata e tratta da “El Retablo de las Maravillas” di Cervantes. Viene così proposto, per due sere, un inno alla diversità e soprattutto alla ricchezza degli scambi culturali, che si presenta al pubblico come una metafora iperbolica di una contemporaneità dalle sembianze folli, caotiche e rumorose.

L’antirealismo dell’opera ci spinge all’interno di un’ambientazione futurista, incarnata da una società stereotipata e perbenista, costituita da personaggi colmi di valori di cui loro stessi sembrano non comprendere il significato profondo. La falsa quiete che aleggia in questo piccolo microcosmo ‘bloccato’ viene messa a dura prova dall’arrivo di una troupe teatrale che sconvolgerà gli animi e le menti, portando alla luce la verità della profonda crisi sociale in cui il debole sistema è immerso.

Si tratta di un collettivo in cui la differenza è regina: attori, musicisti, mimi, acrobati, ballerini, scenografi, costumisti e cantanti hanno collaborato per la realizzazione di questa apocalittica e allucinante opera teatrale. Questa si fa così portavoce di una denuncia sociale, avviando una riflessione sul tema del razzismo e dell’immigrazione attraverso una sintesi che designa il teatro come atto politico ed estetico al tempo stesso.

Un teatro dentro il teatro all’interno del quale anche la geniale orchestra diventa un raccontastorie, mostrando l’alleanza musicale tra i generi medievale, popolare, etnico ed elettronico…come per ricordare che la ricchezza e la continuità armoniosa sono entrambe rese possibili dall’integrazione delle diverse culture.

Gli attori, o sarebbe meglio definirli ‘artisti a tutto tondo’, sono stati capaci di rendere partecipe il pubblico attraverso l’impiego di un linguaggio molteplice, semplice e universale. Si è aperta così una commedia amara dai tratti comici e grotteschi, che si è poi conclusa come una vera e propria ‘commedia umana’ grazie alla presentazione di una realtà distopica che si porta dietro i pesi del passato, le complicazioni del presente e le conseguenze del futuro.

“Tutti i cittadini hanno pari dignità sociale e sono eguali davanti alla legge, senza distinzione di sesso, di razza, di lingua, di religione, di opinioni politiche, di condizioni personali e sociali”.

Questo viaggio sembra essere la rappresentazione viva di uno dei primi articoli della nostra Costituzione, fondamento di un vivere civile e democratico che spesso e volentieri viene dimenticato e qui riportato in vita.